古典主義音樂誕生的社會背景

18世紀初~19世紀初的音樂風格。它出現在巴洛克時期之後,結束於浪漫主義時期之前,而且與這前後的兩個時期都有著相當大的年代上的交疊。
1720~1760年左右,一般被稱為早期古典主義時期( 也有人稱前古典主義時期)。這種風格的基本特徵是採用主調和聲織體和更簡化與更“ 自然 ”的旋律(這在當時被稱為“華麗風格”)。這種風格還可以包括結構的方整性,結構內部(樂章間或樂章內)的更大的對比,力度等級的漸變,節奏輪廓更加清晰,和聲語彙簡化,和聲節奏放慢等等。在1730年前後這種新風格也出現在義大利的器樂作品中,特別是節奏複雜化和旋律裝飾化的傾向在德國的情感風格的鍵盤樂器的作品中達到了高峰。此外,早期古典主義音樂還包括了以法國音樂為主的洛可可風格,這種高度裝飾化的宮廷風格與當時的義大利和德國音樂相比帶有更多的巴洛克遺風。
1760年~18世紀末,可以劃為晚期古典主義時期。這個時期產生了一種不同於早期階段的更具世界性的風格上的綜合。它開始越來越具有風格與形式上的複雜性和表現上的深度,這一過程的特點是以J.海頓和W.A.莫扎特的成熟作品為代表的。至於L.van貝多芬,在把他劃為古典主義還是浪漫主義何者更好這一點上,長期以來是有不同意見的。從某種角度上看他既是一個古典主義音樂家(特別是青年時代),又是一個浪漫主義音樂家,因為他身上的確已經存在著明顯的浪漫主義傾向,如把自己看作一個獨立的作曲家,主觀的自我表現在作品中越來越強烈等等。但是從另一個角度看,他又既不是一個典型的古典主義者,也不是一個像H.柏遼茲或R.舒曼那樣典型的浪漫主義者。不過,從音樂上來看,他對大規模曲式的控制,明確而有力的節奏,功能性為主的和聲,把主題(動機)的展開作為一種原則來堅持,以及對傳統對位技巧的興趣等等,都有助於人們把貝多芬的風格看作是海頓和莫扎特風格的一種延長和擴充套件。因此,人們還是把貝多芬、海頓和莫扎特3人放在一起稱為維也納古典樂派,或把他們視為維也納古典主義音樂的主要代表人物。

論述古典主義音樂產生得歷史背景

現在所提及的西方音樂實際上是從十六世紀末開始,尤其是十七世紀到十八世紀,這一期間,音樂史上稱為巴洛克時期。西方古典音樂有理論,有規範,有大量的文字和音響文獻,易於流傳;著重美學及功能性,故此比較客觀。
西洋音樂主要指歐洲的音樂,由於歐洲歷史上統治階層比較重視音樂,因此許多音樂家都得到資助和保護,發展出比較完善的音樂理論。目前西方的音樂理論在全世界的音樂界佔有主導地位,歐洲音樂界發展的記譜法和作曲的程式得到世界的公認。
古典主義音樂指的是1730-1820年這一段時間的歐洲主流音樂,又稱維也納古典樂派。此樂派三位最著名的作曲家是海頓、莫扎特和貝多芬。
古典主義音樂承繼著巴洛克音樂的發展,是歐洲音樂史上的一種音樂風格或者一個時代。這個時代出現了多樂章的交響曲、獨奏協奏曲、絃樂四重奏、多樂章奏鳴曲等等體裁。而奏鳴曲式和輪旋曲式成為古典時期和浪漫時期最常見的曲式,影響之深遠直至二十世紀。樂團編制比巴洛克時期增大,樂團由指揮帶領逐漸變成一種常規。現代鋼琴在古典時期出現,逐漸取代了大鍵琴的地位。
隨著法國大革命對社會造成的衝擊,作曲家的生計也受到影響,由最初依賴宮廷、教會供養轉變為獨立的經營者~

新古典主義音樂

新古典主義音樂(Neoclassicism Music)是20世紀古典音樂的一種流派,主要盛行於第一次世界大戰和第二次世界大戰之間。在美學上反對浪漫主義音樂的標題性和主觀性以及誇張渲染的表現手法,強調創作採用中立客觀的立場和明晰的音樂語言。在音樂形式上,主要繼承巴洛克音樂和古典主義音樂時期的曲式和體裁,並重新使用一部分古樂器(如羽管鍵琴),但和聲常常較為尖銳,並多用複雜的對位法。其具體表現形式十分多樣,根據作曲家的所屬地域和個人風格而相差甚遠。
主要新古典主義作曲家
斯特拉文斯基
欣德米特
普朗克
卡塞拉
馬利皮耶羅
布索尼
受新古典主義影響的其它作曲家
雷格
普羅科菲耶夫
沃恩-威廉斯
拉威爾
法雅
米約
奧涅格
伊貝爾
雷斯庇基
魯塞爾

古典音樂與古典主義音樂的區別(急~~~)

古典音樂是指歐洲17世紀到後來的主流文化背景下的音樂,古典主義音樂是古典音樂的一個型別或者說是古典音樂發展過程中一段時期的音樂,更細的查百度

古典主義音樂的特徵

古典主義
Le Classieisme
17世紀和18世紀前半期流行於歐洲君主專制時期的一種文藝思潮或文藝流派。它的代表人物在創作實踐和文藝理論上,把古希臘羅馬時代的文藝視為必須仿效的崇高典範,從中吸取題材、情節、形象和創作經驗,並賦予它們新的歷史內容。古典主義一詞由此而得名。
法國是歐洲古典主義文藝的中心。從17世紀初起,法國詩人馬萊伯等為反對一切方言與俚語,確立法國古典主義文學語言的規 範做了大量工作 。 詩人梅萊在悲劇《 索福尼斯貝》中,最早實現了義大利學者提出的三一律原則,即一個情節線索、一天時間和一個地點。這是古典主義劇作家創作的基本準則。法國文藝理論家N.布瓦洛的《詩藝》是一部具有古典主義文藝宣言性質的重要論著,概括和總結了幾十年法國古典主義創作的實踐,要求文藝“模仿自然”(包括人性的自然),“研究宮廷”,“認識城市”;把體裁(史詩、悲劇、喜劇等)分為界限分明的不同的等級,並對每種體裁進行嚴格規範;依據笛卡爾的理性主義提出理性至上的美學原則。古典主義在法國文學中的代表者有高乃依、拉辛、布瓦洛、莫里哀、拉封丹等;繪畫的代表者有普桑、勒布朗 、大衛等;建築中的代表者有芒薩爾、勒諾特爾等。他們在政治上擁護王權,作品具有鮮明的政治傾向性;主張民族統一,反對民族分裂;宣揚個人利益服從國家整體利益;塑造了為崇高社會理想而服務的人物典型;他們的創作基本上為宮廷服務,對民間文學採取輕視態度。古典主義由於過分強調理性主義、普遍性和情節的集中、單一,往往忽視個性,突出型別,不少作品具有公式化、概念化的傾向。
大衛《荷拉斯兄弟之誓》為古典主義繪畫的代表作
18世紀20年代起,古典主義思潮幾乎遍及全歐。英國的代表者是復辟王朝的詩人約翰·德萊頓和深受布瓦洛影響的詩人蒲柏。德國的代表者是約翰·戈特舍德,曾據賀拉斯 、布瓦洛等的觀點寫成論著《為德國人寫的批評中詩學試論》。俄國古典主義佔有特殊地位,諷刺性突出,傾向減弱,其文學代表者是蘇馬羅科夫、羅蒙諾索夫和康捷米爾等,建築的代表者是卡扎科夫、沃羅尼辛等。

論述法國17世紀古典主義盛行的社會背景?

16世紀上半葉,繼英法戰爭之後,法國侵略了義大利,接觸到了文藝復興文化,受到一定影響。隨著國內中央集權的加強,17世紀下半葉,古典主義開始盛行。這與國王路易十四的品味又很大的關係。

新古典主義音樂的產生

第一次世界大戰以後,西方音樂
中一方面出現了許多實驗性的流派和思潮(如義大利的
“未來主義”、捷克作曲家A.哈巴的微分音音樂等),
另一方面一些重要的作曲家都經歷了一段較為穩定的風
格發展過程。新的美學觀念和音樂思維層出不窮。從20
年代初到50年代,新古典主義可以說是影響面最大的一
種音樂流派。
新古典主義在美學思潮上,不但否定浪漫主義音樂
的標題性和主觀性,也否定後期浪漫主義及其引伸出來
的表現主義那種誇大的幻想和表現。新古典主義主張音
樂創作不必去反映紊亂的社會和政治,主張採取“中立”
或“藝術至上”的立場;創作應該回到“古典”中去,
回到“離巴赫更遠的時代”去,那裡有音樂的純粹的美
(不混雜詩或繪畫等);作曲家應該擺脫主觀性,而以
冷靜的客觀性把古典的均整平衡的形式,用現代手法再
現出來。
作為體系而對後世有影響的新古典主義,以義大利
作曲家F.布索尼和俄國作曲家I.F.斯特拉文斯基為代表。
布索尼認為音樂應當保持嚴格的客觀精神和中立態度,
而古典的對位手法以及帕蒂塔、大協奏曲、託卡塔、帕
薩卡里亞和裡切爾卡等古典形式是實踐這種理論最好的
途徑。斯特拉文斯基於1927年在英國雜誌上刊登了“回
到巴赫”的宣言後,掀起了新古典主義的熱潮。
新古典主義早期的典型創作是布索尼的《喜劇序曲》
和《鋼琴小奏鳴曲》,但最典型的則是斯特拉文斯基的
舞劇音樂《繆斯的主宰阿波羅》、《仙女之吻》、《詩
篇交響曲》和《鋼琴協奏曲》等。這些作品有的選自古
代神話故事,有的採用中世紀的宗教題材,在音樂上則
力求模擬古代音樂風格並以現代的技法與之相結合,從
而形成一種新型的擬古的音樂風格。
由布索尼和斯特拉文斯基倡導的新古典主義,對許
多現代優秀的作曲家都有深遠的影響。法國六人團的A.
奧涅格早期所寫的《絃樂四重奏》和《第一小提琴奏鳴
曲》以及後期的《室內協奏曲》、《無伴奏小提琴奏鳴
曲》、《阿卡依組曲》等作品,在音樂的觀念和結構上
都有明顯的新古典派特色。他的交響曲的深刻內容和高
雅而富有理智的表現方法,都反映了古典的特色。六人
團的另一作曲家D.米約,早期作品雖有後期浪漫派的影
響,但其中的《鋼琴奏鳴曲》(1916)、交響組曲《普羅
德》、鋼琴曲集《巴西的索達多》(1919~1920)、六
首微型的《小交響曲》以及中後期的《春天協奏曲》、
《鋼琴協奏曲》、《小提琴、單簧管、鋼琴組曲》(1936)、
《法國組曲》、第14~16絃樂四重奏,還有許多交響曲
和鋼琴協奏曲,都有明顯的新古典主義的特徵。F.普朗
克中期的許多作品,例如《法國組曲》(1936)、《兩架
鋼琴協奏曲》、《g小調樂隊協奏曲》(1939)、《鋼琴與
管樂六重奏》、《鋼琴、雙簧管與大管的三重奏》都可
以納入這一範疇。
德國的P.欣德米特雖被稱為新客觀主義的代表,在
和聲理論上建立了新的體系。但他從沒有遠離傳統的調
性與和聲組織,他用新鮮而精密的對位法技巧,寫了許
多現代化的賦格。他擅於把古典的體裁形式和新的音樂
語彙結合在一起。
匈牙利的B.巴托克與Z.科達伊都是新民族主義者,
前者應用民族的音樂主題,但並不是簡單地搬用,而是
把調性、節奏、曲調等要素加以分解,細緻地融合到自
己獨特的音樂語法中去。他的《為絃樂器、打擊樂器和
鋼片琴所寫的音樂》(1936)、《兩架鋼琴與打擊樂器的
奏鳴曲》、《小提琴奏鳴曲》、《第三鋼琴協奏曲》、
《管絃樂協奏曲》均系新古典主義的典型之作。而科達
伊在應用瑪扎爾民歌的同時,力求使語言和曲調密切結
合,平易近人。例如管絃樂組曲《哈里·亞諾什》、《加
蘭塔舞曲》、《管絃樂協奏曲》、第一、第二絃樂四重
奏、《無伴奏大提琴奏鳴曲》為其代表。
蘇聯的С.С.普羅科菲耶夫、Д.Д.肖斯塔科維奇則把
現代的、民族的、社會性意念的東西和古典的嚴肅的理
性的思維結合在一起,大大地擴充了新古典主義音樂風
格的範疇。
法國作曲家拉韋爾儘管有非常富於色彩性的配器,
大量應用古代與西班牙、中國、阿拉伯、希臘等異國情
調的調式、避免自然音階和空四、五度音程而自成一家。
但他那巧奪天工的手法,明確的主題性,古典的三和絃
的和聲體系,以及對古典形式的尊重,也可以歸入新古
典主義的範疇。

什麼是古典主義音樂流派?

【古典主義音樂】Classsical Music
一、 指十八世紀下半葉之十九世紀初,形成於維也納的一種樂派,亦稱“維也納古典樂派”。以海頓(1732-1809)、莫扎特(1756-1791)、貝多芬(1770-1827)為代表。其特點是:理智和情感的高度統一;深刻的思想內容與完美的藝術形式的高度統一。創作技法上,繼承歐洲傳統的復調與主調音樂的成就,並確立了近代鳴奏曲曲式的結構以及交響曲、協奏曲、各類室內樂的體裁和形式,對西洋音樂的發展有深遠影響。
二、 泛指十七、十八、十九世紀的專業音樂創作。一古典以前時期:①如巴洛克音樂,代表人物有巴哈、韓德爾;②羅可可音樂,代表人物有如庫泊蘭、拉穆等大師們的典範作品。二古典以後時期:①浪漫樂派,主要代表人物有舒曼、舒伯特、肖邦;②民族樂派,主要代表人物如格里格、格林卡、柴可夫斯基、斯美塔那、波隆貝斯庫、西貝里烏斯、巴托克等大師們的典範作品。③維也納古典樂派,主要代表人物海頓、莫扎特和貝多芬等大師們的典範作品在內。
一、音樂中的古典主義
“古典主義”是一個相當不明確的詞,它有幾種不同而又相關的含義。一種不很恰當的用法是將它指流行音樂以外的音樂,包括所有種類的嚴肅音樂,不管它是何時創作的以及為什麼目的而寫的。而此處我們所指的是大約1750年開始至1827年貝多芬逝世為止這一時期的音樂。
所謂“古典的”,準確地說,原是指古希臘和古羅馬的“經典的古代”,那是西方文明兩個偉大的時期。多少個世紀過去了,人們回顧往昔,而且企圖借鑑那個時代的文化精華。在文藝復興時期,人們已經這麼做了,巴洛克初期亦然,但一直到十八世紀中葉才真正開始重新發現“古典”。特別是考古的發現,展現了一幅簡樸、巨集偉、寧靜、有力、優雅的畫面,這在新發掘出來的古希臘和南部義大利的神廟中十分典型。例如,1748年龐貝的發現,其中的遺物被畫家臨摹和雕刻家模製以廣泛流傳,理論家們研究它們構成的原則。歷史學家和美學家們(其中最著名的為德國人溫克爾曼)將它們稱為“古典”並作為他們這一時代的典範,有探索精神的藝術家們緊隨這一觀念,如十八世紀英國畫家雷諾茲強調繪畫的最高成就是在於表現古代希臘羅馬的主題以及他們作品中的英雄氣概和人的苦難。
法國新古典主義畫家大衛也追隨這種理論,表現在他描繪英雄的畫面上。義大利新古典主義雕塑家基本上以古典的雕像為範本來刻畫現代的男男女女。“古典”的歷史事件、神話以及哲學思想也日益有其廣泛的影響,如歌劇的劇本多取材於這一時期的史實、神話及英雄人物。由於優秀的古代文化的影響,人們常將“古典”一詞視為有傑出的、卓越的含義。不論是一首詩,還是一輛汽車,如果說是“古典的”,那就意味著它是此類中的佼佼者。人們也往往傾向於把某個圖案設計稱之為“古典比率”,意味著這個比率保持了自然的平衡,並無奇特或標新立異,而是遵循規範的原則。正由於信奉這種“適當的比率”和自然平衡的原則,使得古典時期的音樂風格迥異於其他時期。
實際上這一時期的作曲家在考慮音樂結構時都遵循這一基本概念:一種調性間平衡的概念,給予聽眾明確的感覺這音樂如何進行;還有段落之間的平衡,聽眾在聆聽一首樂曲時可以準確地知道緊接著出現的內容。作曲家的創造性只是對這個作曲系統和輪廓稍加變化,而不是機敏地或富有進取精神地創作出樂曲來使聽眾著迷或驚奇。也可以說在音樂創作上不存在所謂“古典時期”,僅有“古典風格”。按照這種風格,海頓、莫扎特和貝多芬寫出了他們的名作。如果說這是傑出的典範,有一定的道理。但是這種風格並非僅僅出現於他們三人的作品中,這個時期的其他作曲家的創根基本上也是這種風格,也是按照這種傳統。
在巴洛克時期和古典時期之間,還有一些短暫的過渡階段。其中之一是洛可可(Rococo),就像音樂史學者給巴洛克取名一樣,是按照其風格而取名的。這一名稱原是藝術史學者們專門用來指十七世紀末十八世紀初法國的裝飾性藝術的。這一時期的法國建築中,巴洛克式的雄偉、嚴峻的風格分解或者柔化,成為類似貝殼製品(法語為rocaille)式的線條。由此發展出一種新穎的、絢麗的、優美的、富有想象的風格。像所有的法國文化及趣味一樣,這種風格也迅速傳遍歐洲,在德國南部及奧地利特別風行。如果說音樂和建築等其他藝術的演變完全一樣,那是不恰當的,但在音樂中我們也可以看到濃墨重彩讓位於優美、纖細的精雕細琢,尤其在鍵盤樂中發揮得淋漓盡致,很多一流的作曲家寫了極盡裝飾能事的樂曲,著名的格可可風格的作曲家當數法國的庫普蘭,在德國採用這種風格的是巴赫的同時代人泰勒曼和馬特鬆,義大利作曲家有D·斯卡拉蒂。在C.P.E.巴赫、海頓、莫扎特等人的作品中猶可見到洛可可風格的餘韻。
另一個名詞也來自法語galant(華麗風格),顧名思義是“華麗”,其實用於藝術風格,它的含義更要豐富得多。首先是指歡樂,這是一種直率的、任性的歡樂:感官的歡樂,它有別於道德的說教及更深刻的藝術境界,也意味著一種優雅和塵世的趣味。在音樂上它首先是流暢的旋律,摒棄了複雜的對位手法;其旋律聽來使人感到極為清晰,因為伴奏部分很清談,通常用通奏低音(如羽管鍵琴)演奏固定的音型或者很慢地進行,絕不會對旋律喧賓奪主。華麗風格的樂曲最理想的表演媒介是人聲,康塔塔或 歌劇選曲(最好是愛情歌曲);作曲家通常把樂句分得簡潔而又規律,用一種可以預測的問答式進行,歌者的聲音較為朦朧但卻極富表情。另一種流行的表演媒介是長笛(替代老式的和音色明亮的豎笛),人們特別欣賞它那優雅而柔和的色彩。華麗風格也指舞蹈節奏的使用,巴赫等人在他們的鍵盤樂組曲中採用的外加樂章之一,即稱為“華麗曲”(galanteries);它意味著常常使用一些固定的、短小的旋律樂句,一如姿態優雅的鞠躬和禮儀。
“華麗風格”一詞在1700年後才使用,此種風格的流行是在十八世紀二十年代以後,十八世紀中葉為其全盛時期,即巴赫、亨德爾一輩的作曲家消失而新的一代崛起之際。巴洛克時代大師們的富有驅動性的低音聲部(它能賦予樂曲一種活力)此時讓位給較為遲緩的低音進行,只起到襯托上面主要聲部的作用而已。巴洛克時期常用的賦格織體也被取代,此時上面的聲部輕而易舉地取得了統治地位,其次才是低音,而中間聲部已無容身之地。巴洛克音樂中,長而不規則的樂句被較短的樂句取代,它們往往是兩小節或四小節的,聽者能感覺到後繼的樂句大約將是怎樣的。音樂語言變革之所以發生,主要原因是新思潮的出現,即啟蒙運動。十八世紀早期這個重大的變動已出現於哲學以及像英國的牛頓、法國的笛卡兒那樣的科學發現的覺醒,理性與人道的觀點受到重視,神祕與迷信逐漸褪色。啟蒙運動的目標之一就是要將文學藝術普及到普通的男女中間去,使中等階級也可分享過去只有貴族才能享受到的東西,藝術應該充實和豐富人們的生活。因此我們發現在十八世紀初期,歌劇這一形式不僅是專供私人宅邸演出和僅用義大利語言,而且也向公眾開放並用各個國家的民族語言。在法國出現了喜歌劇(opera comique),歌曲與對白穿插進行,故事情節是老百姓日常生活中所發生的事。十八世紀二十年代喜歌劇已在巴黎集市的場子上演出。比之宮廷歌劇來,它的內容更適合人民大眾的口味。在英國,十八世紀三十年代開始,貴族們尚在欣賞義大利歌劇,中產階級卻喜歡帶有對白的、曲調質樸動聽的輕型歌劇,此種情況不僅發生在倫敦,而且遍及全國各地。此種類型的歌劇在十八世紀中期經譯成德語後在德國的柏林及漢堡等地上演,促進了產生德國自己民族形式的此類歌劇,即歌唱劇(Singspiel)。就是在歌劇的故鄉義大利,十八世紀初已出現用地方語言的喜歌劇,如在威尼斯、那不勒斯等地。此類歌劇所用題材接近人們的日常生活,曲調動聽;相形之下,取材古代或神話中的故事和人物就顯得不易理解,其音樂也較乏味。
歌劇並不是唯一顯示文化藝術發展程序的體裁。與此同時,音樂的印刷出版業建立起來了,人民大眾可以購買樂譜在家歌唱或演奏,樂器製造業也由於新技術的發展而蓬勃興起。年輕姑娘能演奏羽管鍵琴或鋼琴是有教養的重要標誌。男士們則演奏長笛、小提琴或其他業餘性質的樂器。十八世紀時出了許多為家庭用的樂器演奏教材。作曲家們也為家庭使用的目的而創作樂曲,它們在演奏技術上雖較簡單而易於掌握,卻仍然優美動聽,演奏起來饒有興味。這就是上述引起風格轉變的原因,轉向更有規律的和旋律的風格。人們在家裡嘗試著唱他們在公共娛樂場所聽到的歌曲,“流行歌曲”歌集的刊印應運而生,這些歌曲選自最近上演的歌劇(在倫敦也有在著名的遊樂園中演唱的),它們對音樂愛好者來說是印象新鮮的。
並非僅是歌劇吸引著新的觀眾,十八世紀時音樂會的活動已經開始。以前,器樂曲主要在宮廷或上流社會人物的家庭中表演,現在出現了全新的局面,人們(通常是既有音樂愛好者又有專業音樂工作者)集合在一起舉行音樂會,娛樂自己(有的賴以為生)和款待前來的聽眾。在較大的城市裡從事音樂的專業人員很多,倫敦和巴黎首先興辦定期的管絃樂隊音樂會,其他城市很快效仿。宮廷樂隊也常舉行售票的音樂會。特別是在十八世紀後期,音樂會的活動迅速發展。傑出的演奏家從一個城市到一個城市舉行巡迴演出。當地有名的藝術家也舉行年度的“慈善’音樂會(演員仍然能拿到報酬)。管絃樂隊這一團體組織日益成形,音樂會向公眾開放當時是一件新鮮事。為適應此種需要,作曲手法亦需更新,要求樂曲有更為邏輯和清晰的形式,以吸引聽眾的注意力和興趣。適應這一時代形勢的要求,新一代的作曲家從此興起,其中的三巨頭是海頓,莫扎特和貝多芬。這就是所謂維也納古典樂派。
海頓、莫扎特、貝多芬三人都在十八世紀八十年代到十九世紀二十年代在維也納活動,他們之間互有影響。他們都是運用奏鳴曲形式的大師,寫出了奏鳴曲、交響曲、四重奏這類體裁的不朽佳作;他們也都致力於主題的展開以及利用調性的配置來給抽象的形式注入細緻微妙的表情。
雖然三人都寫過歌劇,但是真正在歌劇中留下了璀璨名篇的只有莫扎特,而且也確實沒有稱得上“古典主義”的歌劇風格存在。主要是這些大作曲家的器樂曲給了當時以及整個十九世紀以巨大影響。除了貝多芬後期的作品顯得較為艱深外,這三人的作品都既深刻而又通俗易懂,這也促進了這一時期開始的音樂從此走向世界。巴赫和亨德爾的作品仍僅限於在中部德國及英國流傳,而海頓的作品不僅在他受僱的貴族宅邸演奏,而且在維也納、巴黎、倫敦都能聽到;莫扎特以演奏家的身份漫遊全歐,演奏他自己的作品;貝多芬的作品從1805年後也是在歐洲到處都能聽到。
二、初期古典樂派
文藝復興後在義大利興起的主調形式的新音樂,以貴族社會為背景,在德意志和奧地利各地繁榮昌盛起來。其初期有三個主要樂派:以音樂大師巴赫的次子卡·菲·埃·巴赫(C.P.E.Bach)為中心的柏林樂派;以約翰·施塔密茨(Johann Stamitz,1717-1757年)為中心的曼海姆樂派;以瓦根扎爾和蒙恩為中心的早期維也納樂派。
歌劇雖然是古典派音樂中的重要部分,但從整體來看,古典派音樂的特色在於器樂方面,特別體現在奏鳴曲和交響曲形式的音樂上。曼海姆樂派的室內樂和交響樂不僅影響了維也納樂派,而且對波恩時代的少年貝多芬也產生了直接的影響。
奏鳴曲是古典派音樂中極富代表性的形式,它的呈示部中有第一、第二主題的對比,中間出現 發展部,然後是兩個主題反覆的再現部。曼海姆樂派當時已經具有了相當完整的奏鳴曲形式,他們還在交響樂中加入小步舞曲樂章。這個樂派的交響樂配器中,木管樂器也採用了雙管編制。莫扎特在自己的交響樂中加用單簧管,也是受了曼海姆樂派的影響。
三、維也納古典樂派
以“交響樂之父”海頓、“音樂天才”莫扎特和“樂聖”貝多芬為代表的維也納古典樂派,在音樂史上豎立了一座不朽的豐碑。這一樂派的主要特徵是反映人類普遍的思想要求,他們追求美的觀念、強調風格的高雅,給予人們樂觀向上的進取精神。

古典主義音樂和浪漫主義音樂的特徵

一個比較古典 一個比較浪漫

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貝多芬則是浪漫主義的樂聖,貝多芬九部交響曲都很有名,其中貝五田園,貝九歡樂頌貝三英雄都廣為流傳

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